좋은 음악 창작이 세종솔로이스츠의 출발점이 되다
세종솔로이스츠의 모든 활동은 ‘좋은 음악’을 창작하고 구현하는 데에서 출발한다. 이들에게 좋은 음악이란 단순히 완성도가 높은 연주를 넘어, 청중에게 깊은 울림과 사유를 불러일으키는 예술적 경험을 의미한다. 따라서 이들은 프로그램을 구성할 때도 흥행 가능성만을 좇지 않고, 음악적 의미와 예술적 실험 정신을 함께 고려하며 레퍼토리를 선정한다.
이 단체는 창단 초기부터 국제무대에서 인정받은 연주자들을 중심으로 조직되었으며, 소규모 앙상블의 기동성을 살려 높은 완성도의 사운드를 추구해왔다. 각 단원의 솔리스트적인 역량을 바탕으로 한 섬세한 앙상블은 세종솔로이스츠의 대표적인 강점으로 꼽힌다. 이를 통해 새로운 작품을 소개하고, 잘 알려진 레퍼토리도 세종솔로이스츠만의 해석으로 재조명하는 작업을 지속해왔다.
세종솔로이스츠가 지향하는 좋은 음악 창작의 과정에는 다음과 같은 특징이 있다.
1. 치밀한 작품 연구와 해석
2. 연주자 개개인의 음악적 개성을 존중하는 합주 방식
3. 작곡가와의 협업을 통한 신작 위촉과 초연
4. 공간과 청중 특성을 고려한 공연 기획
이러한 과정을 거치며 세종솔로이스츠는 각 공연을 하나의 완성도 높은 예술 작품으로 완성하고자 노력한다. 단지 악보를 정확히 연주하는 것을 넘어, 곡의 구조와 작곡가의 의도를 깊이 탐구하고, 동시대 청중에게 설득력 있게 전달하는 해석을 제시하는 것이다. 저는 이런 접근이야말로 클래식 음악 단체가 현대 사회에서 존재 이유를 증명하는 방식이라고 생각한다. 단순한 연주 기술의 과시로는 관객의 마음을 오래 붙잡기 어렵기 때문이다.
또한 세종솔로이스츠는 국내외 작곡가들의 신작을 적극적으로 위촉하며 레퍼토리의 스펙트럼을 확장하고 있다. 새로운 작품을 연주하는 일은 늘 위험을 수반하지만, 동시에 예술의 지평을 넓히는 중요한 시도이기도 하다. 대중에게 잘 알려지지 않은 작품이라도, 음악적 가치가 충분하다면 과감히 무대에 올리는 것이 이들의 철학이다. 이러한 노력이 장기적으로는 한국과 아시아 클래식 음악계의 창작 기반을 단단히 다지는 역할을 할 것이라 보는 시각도 적지 않다.
세종솔로이스츠의 좋은 음악 창작은 연주회장에서만 머물지 않는다. 녹음 작업을 통해 주요 공연과 프로젝트를 기록하며, 음반과 디지털 음원을 통해 더 많은 청중과 만나고자 한다. 이는 일회성으로 사라지기 쉬운 공연 예술의 특성상 중요한 아카이브 작업이기도 하다. 특히 젊은 작곡가의 신작이나 독창적인 기획 공연의 기록은 향후 연구와 교육 자료로도 활용될 수 있다.
한편, 세종솔로이스츠가 강조하는 좋은 음악은 장르적 경계를 넘나들기도 한다. 엄격한 의미의 클래식 레퍼토리뿐 아니라, 현대 음악, 실내악, 협주곡, 심지어는 다른 예술 분야와의 융합 프로젝트도 시도하며 예술적 실험의 폭을 넓힌다. 관객에게 익숙한 곡과 새로운 시도를 적절히 배치해 공연 전체의 흐름을 설계하는 방식은, 예술성과 대중성을 동시에 추구하려는 고민의 결과라 할 수 있다.
무엇보다 주목할 점은, 세종솔로이스츠가 좋은 음악을 ‘소수의 전문가’만을 위한 고급 취향으로 한정하지 않는다는 점이다. 높은 예술적 기준을 유지하면서도 더 많은 사람이 클래식 음악의 감동을 경험하도록 만드는 것이 목표다. 저 역시 클래식 음악이 특정 계층의 취미로 머물지 않고, 일상 속에서 자연스럽게 접할 수 있는 문화가 되어야 한다는 점에 공감한다. 그런 의미에서 세종솔로이스츠의 창작 철학은 단순한 연주 단체의 목표를 넘어, 사회 전체의 문화 저변을 넓히는 방향과도 맞닿아 있다고 볼 수 있다.
교육을 통한 젊은 음악가들의 성장과 기회 확대
세종솔로이스츠가 강조하는 핵심 역할 가운데 하나는 ‘교육’이다. 이 단체는 좋은 음악을 만드는 것을 넘어서, 그 과정에 젊은 음악가들을 적극적으로 참여시키고 새로운 세대를 길러내는 일을 중요한 사명으로 삼고 있다. 단순히 마스터클래스를 몇 차례 여는 수준이 아니라, 장기적인 관점에서 차세대 연주자들이 성장할 수 있는 교육 생태계를 구축하고자 한다는 점에서 의미가 크다.
구체적으로 세종솔로이스츠는 다음과 같은 방식으로 교육 활동을 전개한다.
1. 국내외 젊은 연주자를 대상으로 한 마스터클래스 운영
2. 세종솔로이스츠 단원과의 멘토링 프로그램
3. 오디션을 통한 인턴 연주자 혹은 협연자 선발
4. 음악 캠프, 아카데미 등을 통한 집중 교육 과정
이러한 프로그램을 통해 젊은 음악가들은 세계적인 수준의 앙상블과 함께 연주하며 실전 경험을 쌓을 수 있고, 클래식 음악계의 실제 현장을 가까이에서 체험하게 된다. 특히 단원 개개인의 솔리스트적 역량을 바탕으로 한 멘토링은, 단순한 기술 전수가 아니라 음악적 태도와 예술가로서의 삶에 대한 폭넓은 조언을 포함한다. 저는 이런 멘토링이야말로 교과서나 레슨실에서는 얻기 어려운 귀중한 자산이라고 생각한다.
세종솔로이스츠의 교육 철학은 경쟁만을 부추기는 시스템에서 벗어나, ‘함께 성장하는 음악 공동체’를 지향한다는 점에서도 특징적이다. 젊은 연주자들에게 기회를 제공할 때도 단순히 우열을 가리는 콩쿠르 방식이 아니라, 실제 무대 참여와 프로젝트 협업을 통해 자연스럽게 실력을 발휘하도록 설계한다. 이 과정에서 참가자들은 동료 의식과 책임감을 함께 배우며, 장기적인 네트워크를 형성할 수 있다.
또한 세종솔로이스츠는 교육 대상과 방식을 다양화함으로써, 음악 교육의 문턱을 낮추는 역할을 한다. 음악 전공자를 위한 전문 교육뿐 아니라, 음악을 진로로 생각하지 않는 일반 청소년과 대학생을 위한 강연, 워크숍, 해설이 있는 음악회 등을 통해 클래식 음악에 대한 이해를 넓히는 시도를 이어가고 있다. 이러한 프로그램은 단순한 감상 교육을 넘어, 예술이 삶에 미치는 영향과 창의적 사고의 중요성을 일깨우는 계기가 되기도 한다.
교육 활동은 세종솔로이스츠의 정체성과도 밀접하게 맞물려 있다. 좋은 음악을 만들기 위해서는 결국 그 음악을 이어갈 사람, 즉 다음 세대의 연주자와 관객이 필수적이기 때문이다. 단체가 단기적인 성과에만 몰두한다면 당장은 화려해 보일 수 있으나, 세대 간 단절이 심화되면서 몇십 년 후에는 기반이 약해질 수 있다. 그런 점에서 세종솔로이스츠의 교육 중심 행보는 지속 가능한 예술 환경을 위한 장기 투자라 할 수 있다.
흥미로운 점은, 세종솔로이스츠의 교육 프로그램이 단계를 구분해 설계된 경우가 많다는 것이다. 입문 단계에서는 음악에 친숙해지는 경험을, 중급 단계에서는 실질적인 연주 기술과 앙상블 능력을, 고급 단계에서는 국제무대 진출을 염두에 둔 전문 역량을 강화하는 방향으로 구조화한다. 이러한 체계적 교육은 참가자 개개인의 수준과 목표를 고려한 맞춤형 접근이 가능하다는 장점이 있다.
저는 예술 단체가 교육을 단순한 부수 활동으로 여기는 경우를 종종 보았는데, 세종솔로이스츠처럼 교육을 축으로 삼아 활동 전반을 설계하는 사례는 분명 돋보인다고 느낀다. 교육을 통해 단체의 철학을 공유하고, 젊은 세대와의 상호작용 속에서 새로운 영감을 얻을 수 있기 때문이다. 결과적으로 교육은 단순히 가르치는 행위를 넘어, 세대와 세대를 잇는 대화의 장이자, 단체 스스로를 끊임없이 갱신하는 동력으로 작용한다.
나눔으로 확장되는 음악의 의미와 세종솔로이스츠의 사회적 역할
세종솔로이스츠 활동의 또 다른 축은 ‘나눔’이다. 이들은 좋은 음악 창작과 교육을 통해 쌓아 올린 역량을, 음악을 접하기 어려운 이들과 나누는 것이 자신들의 중요한 역할이라고 밝히고 있다. 여기서 말하는 나눔은 단순히 무료 공연을 제공하는 차원을 넘어, 문화 격차를 줄이고 음악을 통한 공감과 치유의 경험을 확산하는 것을 포함한다.
세종솔로이스츠의 나눔 활동은 여러 형태로 이루어진다.
1. 문화 소외 계층을 위한 찾아가는 공연
2. 지역 사회와 연계한 커뮤니티 콘서트
3. 장애인, 노인, 이주민 등을 위한 맞춤형 음악 프로그램
4. 기부 콘서트 및 사회 공헌 프로젝트와 연계한 공연
이러한 활동의 공통점은, 공연장에 올 수 없는 사람들에게 음악이 먼저 다가간다는 점이다. 지리적·경제적·신체적 제약으로 인해 클래식 음악을 경험하기 어려운 이들에게 세종솔로이스츠는 작은 공연장을 통째로 옮겨가는 셈이다. 저는 이처럼 음악이 특정 계층의 전유물이 아니라 모두의 권리라는 인식이 점점 널리 퍼져야 한다고 생각한다. 예술이 가진 본질적 가치는 결국 나눌 때 더 큰 의미를 갖기 때문이다.
세종솔로이스츠는 나눔 활동을 기획할 때도 전문성과 진정성을 중시한다. 단순히 곡 몇 개를 연주하고 돌아오는 수준이 아니라, 대상자의 특성과 환경을 고려해 프로그램을 구성하고, 때로는 해설과 체험 활동을 곁들여 음악의 이해도를 높인다. 예를 들어 어린이를 대상으로 할 때는 시각 자료나 스토리텔링을 활용하고, 노년층을 위한 프로그램에서는 익숙한 멜로디와 서정적인 곡을 중심으로 선곡해 정서적 공감을 이끌어낸다.
또한 세종솔로이스츠는 자신들의 나눔 활동이 일회성 이벤트에 그치지 않도록 지역 기관, 학교, 병원, 복지 단체 등과의 협력을 강화한다. 이러한 네트워크를 통해 정기적으로 음악회를 개최하거나 공동 프로그램을 운영함으로써, 문화 복지의 지속 가능성을 높이고 있다. 이는 단체의 이미지 제고를 넘어, 실제로 음악을 통한 삶의 질 향상에 기여하는 실질적인 문화 정책의 한 축으로 기능할 수 있다.
흥미롭게도, 세종솔로이스츠의 나눔은 연주자들에게도 중요한 의미를 갖는다. 화려한 콘서트홀 무대와는 전혀 다른 환경에서 연주할 때, 음악가들은 자신의 예술이 지닌 본질적인 힘을 새롭게 발견하는 경우가 많다고 한다. 관객의 숫자가 적더라도, 한 사람 한 사람의 눈빛과 반응이 선명하게 다가오는 현장은 음악가들에게도 강렬한 동기 부여가 되기 마련이다. 저는 이런 경험이 연주자의 예술 세계를 더욱 깊고 넓게 만들어준다고 믿는다.
나눔 활동은 세종솔로이스츠가 사회와 맺는 관계의 지평을 넓혀준다. 공연장은 물론이고, 학교 교실, 병원 병동, 복지관, 지역 커뮤니티 센터 등 다양한 공간이 음악을 매개로 연결된다. 이 과정에서 세종솔로이스츠는 단순한 예술 단체를 넘어, 문화 공공재를 생산하는 파트너로서의 위상을 갖게 된다. 특히 오늘날처럼 사회적 고립감과 정서적 불안이 심화되는 시대에는, 음악을 통한 위로와 연대감의 중요성이 더욱 커지고 있다.
세종솔로이스츠가 강조하는 연주·기획·교육·나눔의 유기적 연결은 바로 이 지점에서 빛을 발한다. 좋은 음악을 만드는 창작의 힘, 젊은 음악가를 기르는 교육의 힘, 그리고 그 모든 것을 사회와 공유하는 나눔의 힘이 순환 구조를 이룰 때, 예술 단체는 단순한 문화 소비의 공급자를 넘어 사회적 자산으로 자리 잡을 수 있다. 나눔은 이 선순환을 완성하는 마지막 고리이자, 동시에 또 다른 창작과 교육을 촉발하는 출발점이 되기도 한다.
결국 세종솔로이스츠의 활동은 좋은 음악 창작, 체계적인 교육, 그리고 적극적인 나눔이라는 세 축으로 정리할 수 있다. 이들은 수준 높은 연주와 기획을 통해 예술적 완성도를 추구하는 동시에, 젊은 음악가들에게 성장의 기회를 제공하고, 음악을 접하기 어려운 이들과 예술의 감동을 나누는 일을 병행하고 있다. 연주와 기획, 교육과 나눔이 서로 분리된 영역이 아니라 하나의 흐름 속에서 긴밀히 연결될 때, 클래식 음악 단체는 비로소 사회적 책임을 다하는 문화 주체로 자리매김할 수 있다.
향후 세종솔로이스츠가 나아갈 다음 단계는, 이러한 선순환 구조를 더욱 확장하고 고도화하는 데 있을 것이다. 디지털 플랫폼을 활용한 교육 콘텐츠, 온라인·오프라인을 연계한 관객 개발, 국제 교류를 통한 젊은 음악가 네트워크 강화 등은 충분히 기대해볼 만한 방향이다. 동시에 지역 사회와의 협력을 심화해, 일상 가까이에서 클래식 음악을 경험할 수 있는 환경을 만드는 것도 중요한 과제가 될 것이다. 앞으로 세종솔로이스츠가 어떻게 창작과 교육, 나눔을 결합한 새로운 모델을 제시해 나갈지 지켜보는 일은, 우리 사회의 문화적 성숙도를 확인하는 의미 있는 과정이 될 것이다.
